Pika Pika, onomatopeya japonesa para referirse a luces brillantes, es el nombre de un colectivo artístico nipón dedicado a la animación. Japoneses y animación, hasta aquí, nada raro. Pero PIKA PIKA no trabaja con lápices, tinta y ordenadores. Pika Pika trabajan con luz. En la línea de las pinturas en el aire que realizó Picasso, estos artistas animan figuras lumínicas.
La animación, junto a la fotografía o la publicidad, es otra de esas técnicas que, hoy por hoy, creo que pueden aportar algo interesante al mundo del arte. Sin embargo, en este caso, a pesar de lo llamativo del trabajo, vemos que todo está ya inventado, y repetimos esa máxima de que, en el arte, Picasso es el siglo XX y el siglo XX es Picasso. Y parece que aún el XXI. No me malinterpreten, el arte no tiene que ser siempre nuevo. Pero es que, a veces, uno se cansa de ver urinarios de Duchamp por todas partes.
A pesar de la no invención de esta técnica por parte de los PIKA PIKA, su dominio de la misma y su creatividad los hacen merecedores de nuestra atención. Entre la pintura espacial, la performance y el video arte, sus trabajos, que recurren al fenómeno de la persistencia retiniana, remiten a universos como el pop, el videojuego, la tira cómica, el humor, lo naïf e infantil, atrapando al público que, precisamente como niños, queda maravillado con el espectáculo.
Junto a lo dicho, no podemos dejar de recordar la propia influencia del teatro tradicional japonés, especialmente el de marionetas, el bunraku, donde una suerte de ninjas, los nigyotsukai o manipuladores de marionetas, confundidos con el fondo gracias a sus negras vestimentas, interactuan con el escenario y los muñecos, contribuyendo a crear, precisamente, interesantes efectos de animación y dinamismo. De esa tradición beben también los PIKA PIKA. Y es que, una vez más, Japón une tradición y modernidad, occidente y oriente.
El trabajo es impecable y muy, muy interesante. Actuarán en directo en el festival de animación de Lérida, pero para los que no podáis asistir, os dejo un video y unos enlaces:
Cada vez reflexiono más sobre el papel de la fotografía y la publicidad en la evolución del arte. Navegando por la red me he topado con un par de campañas interesantes. Juzguen ustedes mismos.
- Campaña de Mini Italia, patrocinador del Festival de Cine de Roma:
Tributo a Alfred Hitchcok
Tributo a Sergio Leone
Tributo a Lars Von Trier
Tributo a Quentin Tarantino
- Campaña de la nueva sección de vinilos de FNAC España:
Arco ha vuelto. Y yo, como no podía ser de otra manera, también.
Entre el 13 y el 18 de febrero se celebra en Madrid este encuentro anual con el arte contemporáneo, que este año tiene por país invitado a Brasil. Aquí os dejo algunos comentarios:
- Entrar en ARCO es caro (20 € estudiantes, 45€ con catálogo; 30€ público general, 60€ con catálogo). Dejar la mochila/bolso, también (2,40 €).
- La fotografía conquista el espacio expositivo. Ya sea en formatos "tradicionales" o formando parte de instalaciones, la fotografía parece convertirse en uno de los recursos artísticos más utilizados, frente al estancamiento al que parece haber llegado la pintura. Además, con la fotografía, el público conecta mejor que con la pintura abstracta, por ejemplo.
- La influencia del cómic, la ilustración, el mundo POP, parece que vuelven a ser recurrentes para los jóvenes artistas. Digo vuelven, porque lo son una y otra vez, año tras año. Sin embargo, no me disgusta del todo.
- Me cansa lo desagradable, lo grotesco, la sangre, "el reflejo de la barbarie de nuestro mundo", y cosas así. Goya y sus Pinturas Negras ya mostraron horrores nauseabundos. ¿Por qué intentar acercarse al maestro en algo que será un producto burdo y cercano al plagio, o como se dice ahora "plagio creativo"?
- Las galerías se convierten en parques de atracciones, donde uno entra en las instalaciones, e interactúa con ellas. Parece que vamos buscando diversión, en detrimento del deleite estético o la reflexión intelectual. Para divertirme, en sentido de ocio puro y duro, voy al cine. O a la Warner.
- El videoarte es interesante. Pero me plantea una duda: ¿debe estar en ARCO o en las salas cinematográficas? No se por qué se da esa separación, a veces brutal, entre cine de consumo y cine arte. El segundo, siempre aparece relegado de las salas. De hecho, no hay salas para este tipo de cine.
- Me abuuuuuurroooo. Meterse bajo una sábana o salir de un molde de escayola, no me dice nada. ¿Qué es realmente una performance?
Demasiado tiempo sin escribir.
Antes de volver a la carga, un pequeño repaso a ciertas noticias que pueden dar pié a nuevos artículos:
- Han pillado al señor Banksy pintando. Parece que su agente ha reconocido que sí, que es él. El caso es que no se le ve muy bien. Lo han pillado con uno de esos malditos móviles con cámara que hay hasta en los urinarios de Marcel Duchamp. El caso es que un mito anónimo podría tener ahora rostro.
- Se han encontrado y se están estudiando una serie de álbumes con fotos
de obras de arte robadas o susceptibles de serlo, por parte del régimen nazi. Parece que los miembros de las altas esferas seleccionaban las obras que querían para sus colecciones, como si de una venta por catálogo se tratase. Se incluyen algunas obras de ese "arte degenerado" que tanto persiguieron, pero claro, necesitaban dinero, y esas obras lo daban.
- Hoy se falla el Premio Turner, así que habrá que preparar un texto para comentar las glorias del ganador de un premio que, cada día, tiene más tufillo -como la caca de elefante que usó como material uno de sus ganadores- comercial. ¿Por qué prácticamente todo el mundo da ya por supuesto que el premio de 36.000 euros se los va a llevar Wallinger?
- Se ha hecho público y accesible en la red un registro de los grandes ejemplos de la arquitectura contemporánea española. Aplausos para iniciativas como esta. Para saber más: http://www.archxx-sudoe.es/
Ha sido larga la ausencia pero ahora DEBO volver. Paseando por "La Coctelera" he visto que el "Tema de la semana" es "¿Cuál es tu obra de arte favorita?".
Y claro, no podía dejar de, primero, dar mi punto de vista sobre el asunto, y, segundo, exponer cual es esa obra de arte que se ha colocado en el primer puesto en mi ranking particular.
El concepto de "obra favorita":
¿Podemos tener una obra de arte favorita? Por supuesto que sí, una nos gustará más que otra. Pero creo que se debe plantear una pregunta: ¿para qué sirve el arte? Es decir, si hablamos de "favorita" parece que la única función del arte es deleitar, hacer que experimentemos placer estético, y esto no siempre ha sido así. Por ello propongo que a la hora de elegir esa obra de arte que es la mejor para nosotros, tengamos en cuenta cuestiones más complejas que el simple gusto. A no ser, claro, que estemos eligiendo entre determinadas vanguardias, aquellas donde la estética, prima.
Sólo pretendo señalar que el me gusta/no me gusta, es un criterio de ayer por la mañana. No imaginen a Carlos V diciéndole a los Leoni o a Tiziano, "me encanta este retrato, ¡qué bonito!". De eso nada. Las obras tenían una función, servían para algo, y eso es lo que se valora. Al menos en el pasado. Otra cosa muy diferente será lo que ocurra a partir del siglo XX.
Cuando yo elijo mis obras favoritas, siempre lo hago siguiendo estos criterios: qué representa para la historia esa obra, qué significó en su momento, si cumple lo que en aquel momento se entendía por Arte, su técnica, y sólo en un último momento pienso en la parte subjetiva: si me cautiva o no.
Así, mi obra favorita puede ser "La fuente" de Marcel Duchamp, obra que dudo cualquiera de nosotros pueda encontrar bella, y sin embargo, escultura capital para entender el arte del siglo XX. Por eso me gusta.
Mi obra favorita:
Ahora sí. Veamos cual es una de mis obras favoritas. Digo una porque claro, después de más de 2.000 años de producciones artísticas, se hace difícil elegir sólo una. Así que en mi lista hay varias, valoradas todas por igual. Pero claro, hay que elegir. Y yo, al menos hoy, me quedo con "Las Meninas". Y claro, lo interesante de estos ejercicios siempre es señalar el por qué.
Diego Velázquez es un pintor excelente. Realismo y tenebrismo, las dos grandes características de la pintura barroca, se dan cita en su lienzo junto con un domino de la perspectiva aprendido en sus viajes a Italia, inexistente en las obras anteriores. La teatralidad es otra de las grandes características del Barroco, y eso no le falta a la pintura del sevillano. Al mismo tiempo, la obra refleja el ambiente de la corte española del XVII, donde el arte se empleó como un medio de propaganda más que efectivo. Pero al mismo tiempo, el autor deja su propia impronta en la obra, más allá de convencionalismos propios de la época que le toca vivir: su forma de pintar, a base de manchas, su tratamiento del color, su pincelada... Junto con un misterio aún hoy no aclarado: ¿qué significa realmente el cuadro? Esto último bien merece un artículo independiente, pero digamos algo, antes de terminar: "Las Meninas" es la exaltación del arte de la pintura. Como dijo Luca Giordano a Carlos II al ver el cuadro, es "la teología de la pintura".
Hace unos días se desvelaba la lista de los cuatro finalistas para el Premio Turner de este año. Aquí va mi crítica personal:
Una de las obras de Mark Wallinger ha llamado poderosamente la atención a la prensa, al ser un alegato contra la Guerra de Irak. Se trata de una instalación con carteles y objetos relacionados con diversos actos de protesta y manifestaciones. Las instalaciones con contenido antibelicista creo que están demasiado
vistas a estas alturas. Descontextualizar los objetos para meterlos en
un museo y llamar la atención sobre lo que ocurre fuera, en las calles,
es algo un tanto obsoleto. Duchamp ya hubo uno.
De Nathan Colley, fotógrafo y escultor, destacan sus arquitecturas de "camuflaje", como la que realizó en Santiago de Compostela. La gente califica sus pequeñas arquitecturas de "graciosas". Para mí, algo no es una obra de arte sólo porque es gracioso. Veo sus obras carentes de expresión, de comunicación. Sus instalaciones con rótulos luminosos no están mal, pero un slogan ocurrente, una frase llamativa, tampoco es algo que me llame demasiado la atención en el contexto artístico actual.
Mike Nelson es conocido también por sus instalaciones, como una en la que reproduce un cuarto oscuro para revelado de fotografías. Esta especie de hiper-realismo escultórico, ya practicado por algunos de los YBA (Toung British Artists) que apadrina la propia Tate, no termina de convencerme. No le veo ningún tipo de conexión con el público. Sus instalaciones más conceptuales adolecen del mismo problema. Zarina Bhimji recoge en sus fotografías paisajes urbanos llenos de melancolía y desolación. A mí personalmente su trabajo es el que más me agrada de los cuatro seleccionados. Sería interesante que la fotografía se hiciera con este premio tras algunas ediciones en las que han destacado alteraciones de las técnicas tradicionales (tales como pinturas con excrementos de elefante, alfarería contemporánea con decoración pedófila y cosas así...). Y sería interesante porque creo que Zarina posee una interesante capacidad para captar con su cámara lo que quiere transmitir, algo que no consiguen hoy muchos artistas con técnicas más conceptuales. No digo que sus fotografías sean simplistas, pero la elección de los motivos, los encuadres, no carentes de inteligencia, convierten su obra en un discurso más directo, más propicio para hacer reflexionar al espectador. Y eso, ahora, me gusta.
En unos meses sabremos quien se lleva este prestigioso premio. Hasta ese momento, os dejo algunos enlaces interesantes:
En esta dirección podéis ver algunas fotos de los artistas y de sus obras.
Y aquí está la página oficial del premio que otorga la Tate Gallery, y que este año se entregará en Liverpool, donde la galería tiene una sucursal, y dado que la ciudad será capital de europea de la cultura en 2008. Si queréis saber más sobre este polémico premio aquí tenéis una página con la historia del mismo.
Andrei Rublev [Andréi Rubliov] (1966)
Andrei Tarkovski
Estrenada a comienzos de los 70 en la Unión Soviética, Andrei Rublev es una compleja película. La creación y la reflexión acerca de la misma, uno de los grandes temas de Tarkovski, junto con planteamientos filosófico religiosos, forman parte de la temática de esta película, al mismo tiempo drama histórico de los turbulentos comienzos del siglo XV ruso, ante el acoso de los tártaros. Religión, filosofía y arte eran los tres pilares de la vida para Andrei Tarkovski, y estos se encuentran presentes en esta película.
Andrei Rublev es uno de los más grandes artistas rusos. Pintor de iconos, se le considera creador de algunas de las más bellas iconografías. En la película, Andrei es el eje en torno al que gira la película. Reflexionando sobre el valor de su obra en el mundo cambiante que le toca vivir. Cargados de una profunda espiritualidad, sus iconos parecen ser inútiles en un mundo en crisis religiosa, pero precisamente sus imágenes ayudan a los espectadores a acercarse de nuevo a la religión. Al mismo tiempo se reflexiona sobre los acontecimientos que pueden hacer que nos alejemos de la observación y disfrute de lo bello (en el caso de la película, la guerra y la violencia). En esas situaciones, se dice, el arte puede aportar algo de esperanza (como ocurriría con la religión).
La última parte del film recoge la historia de la creación de una gran campana, proceso que de fallar supondría la ejecución del artista. Se ha analizado esta parte de la película como una reflexión acerca de la profunda pasión creadora de ciertos artistas, para los cuales, no lograr la perfección buscada en su obra, es como morir.
La figura del trovador de la primera parte de la película, detenido, torturado y ejecutado, puede representar la falta de libertad de los creadores, perseguidos por ciertas autoridades, silenciados incluso, reflejo de la censura que, por ejemplo, acosó también al propio director.
Recientemente, la editorial Sígueme ha editado el guión literario completo de la película de Tarkovski, escrito en 1964, lo que permite acercarse a la idea original de la película, al mismo tiempo que acercarse al Tarkovski literato.
A pesar de que la feria se ha clausurado hace mucho, permítanme estas pequeñas reflexiones personales un tanto inconexas, que tomando como excusa ARCO se refieren a un fenómeno tan contemporáneo como el arte que allí se exhibe.
Lo de las ferias de arte contemporáneo es tremendo. ARCO es sinónimo de novedad artística en nuestro país. Estar allí es prácticamente obligado si alguien quiere estar en la onda.
A mí esto me agota. Galerías, exposiciones paralelas, países invitados, y entre todo mucho clásico, porque será el escaparate de la práctica artística más moderna, pero nunca faltan ni Picasso, ni Miró, ni Chillida, ni muchos de los grandes nombres de nuestro arte, ya del siglo pasado. Y es que claro, a los otros, a los nuevos talentos, no los conoce nadie, porque estar atento a la evolución del arte actual es muy difícil, dada la celeridad con la que avanza hoy nuestra plástica.
La separación arte-público es cada vez mayor. Sin embargo, la afluencia es también cada vez mayor. Religiosamente se paga la entrada (nada barata) para acceder a un escaparate de expresiones que casi nadie entiende. Y ojo, no digo que haya que entender nada, muchas veces el arte es cuestión de sentir, pero vamos a ver, hay veces que el arte se torna únicamente negocio. La gente va porque cree que debe estar allí, se les cobra la entrada, y a nadie le importa si se transmite, se expresa, se entiende algo.
Porque no me van a negar que a veces es difícil recibir el mensaje que nos envía el artista. Si es que envía alguno, porque a veces no tengo ninguna duda de que muchos "artistas" no dicen absolutamente nada. Bajo el disfraz de lo transgresor, lo innovador, lo nuevo, lo moderno, se esconden muchas veces poses, roles que hay quien interpreta a la perfección. Y no hace falta ceñirse sólo al arte plástico. En literatura, en música, en teatro, en danza, ocurren cosas similares.
Pero insisto. Hay que estar ahí. Y esto es como el cuento del emperador y su nuevo traje. Creo que he recurrido a este símil más veces, pero vuelvo a hacerlo. A veces nadie dice nada por temor a que lo tachen de ignorante. Pero vamos a ver, se puede clamar a los cuatro vientos que no todo lo que hizo Picasso es bueno, por lo tanto no todo lo que hay en ARCO es digno de estar ahí. Pero no se dice... Sólo se escuchan términos como modernidad, concepto, vanguardia...
Me da la sensación de que esto es como la literatura. Se escribe muchísimo, se publica demasiado, pero no todo es literatura con mayúsculas. En el cine, ocurre lo mismo, ¿o no?
Sólo una cuestión para que ustedes reflexionen: no todo lo que se expone hoy es bueno. No todo lo que se ve en ARCO merece la pena. No todo lo que se hace es Arte. Pero la actitud del público es tremenda: si se paga por entrar, y está lleno de gente, y sale en los medios, hay que ir a verlo y valorarlo positivamente. Y eso, no lo aguanto.
El sr. Toyama ha entrado en la treintena. El sr. Toyama es muy crítico, de hecho es crítico. El sr. Toyama a veces parece un cascarrabias. Al sr. Toyama le gusta el arte, en todas sus vertientes, y viajar, sobre todo para ver arte. El sr. Toyama es un adicto al arte.
Pika Pika, onomatopeya japonesa para referirse a luces brillantes, es el nombre de un colectivo artístico nipón dedicado a la animación. Japoneses y animación, hasta aquí, nada raro. Pero PIKA PIKA no trabaja con lápices, tinta y ordenadores. Pika Pika trabajan con luz. En la línea de las pinturas en el aire que realizó Picasso, estos artistas animan figuras lumínicas.
- Campaña de la nueva sección de vinilos de FNAC España:
Estas y otras campañas en: 
Una de las obras de Mark Wallinger ha llamado poderosamente la atención a la prensa, al ser un alegato contra la Guerra de Irak. Se trata de una instalación con carteles y objetos relacionados con diversos actos de protesta y manifestaciones. Las instalaciones con contenido antibelicista creo que están demasiado
De Nathan Colley, fotógrafo y escultor, destacan sus arquitecturas de "camuflaje", como la que realizó en Santiago de Compostela. La gente califica sus pequeñas arquitecturas de "graciosas". Para mí, algo no es una obra de arte sólo porque es gracioso. Veo sus obras carentes de expresión, de comunicación. Sus instalaciones con rótulos luminosos no están mal, pero un slogan ocurrente, una frase llamativa, tampoco es algo que me llame demasiado la atención en el contexto artístico actual.
Mike Nelson es conocido también por sus instalaciones, como una en la que reproduce un cuarto oscuro para revelado de fotografías. Esta especie de hiper-realismo escultórico, ya practicado por algunos de los YBA (Toung British Artists) que apadrina la propia Tate, no termina de convencerme. No le veo ningún tipo de conexión con el público. Sus instalaciones más conceptuales adolecen del mismo problema.
Zarina Bhimji recoge en sus fotografías paisajes urbanos llenos de melancolía y desolación. A mí personalmente su trabajo es el que más me agrada de los cuatro seleccionados. Sería interesante que la fotografía se hiciera con este premio tras algunas ediciones en las que han destacado alteraciones de las técnicas tradicionales (tales como pinturas con excrementos de elefante, alfarería contemporánea con decoración pedófila y cosas así...). Y sería interesante porque creo que Zarina posee una interesante capacidad para captar con su cámara lo que quiere transmitir, algo que no consiguen hoy muchos artistas con técnicas más conceptuales. No digo que sus fotografías sean simplistas, pero la elección de los motivos, los encuadres, no carentes de inteligencia, convierten su obra en un discurso más directo, más propicio para hacer reflexionar al espectador. Y eso, ahora, me gusta.
Andrei Rublev [Andréi Rubliov] (1966)
